Pacific Rim (2013)

También conocida como Titanes del Pacifico.

Director: Guillermo del Toro

Guión: Guillermo del Toro y Travis Beachman

Fotografía: Guillermo Navarro

Reparto: Idris Elba, Rinko Kikuchi, Charlie Hunnam, Ron Perlman.

El otro día veía una entrevista que le hicieron a Alejandro Jodorowsky en la que el tipo decía que el cine debe de crear imágenes que las personas recuerden para toda su vida, ponía el ejemplo de 2 películas, la primera “un perro andaluz” de Luis Buñuel, todos los que hemos visto ese cortometraje sin lugar a dudas se nos ha quedado grabado en el subconsciente ese momento en el que Don Luis corta el ojo de una mujer usando una navaja de afeitar.  No importa que no recordemos de qué trata la historia, ni que no recordemos esa otra escena del tipo con un agujero en la mano del cual salen hormigas, o esa bizarra caminata por la playa, nada de eso importa, todos recordamos ese ojo cercenado.

Bueno pues, luego el señor Jodorowsky menciona la película “Avatar” de James Cameron, película que considero el epitome de todas las obsesiones del buen Cameron, robots, armas futuristas, una fijación insana por los filtros de color azul y demás. Don Jodo habla sobre la película y dice que 3 semanas después de verla ya no recordaba nada sobre ella, no se le había quedado grabada ninguna imagen, por consiguiente el consideraba que Avatar a pesar del despliegue de presupuesto y de avances en la tecnología, no había logrado satisfacer esa necesidad básica en el cine, cosa que por otro lado Don Luis Buñuel si logró utilizando únicamente una cámara, una navaja y un ojo de cordero.

La piel que habito (2011)

Dirección: Pedro Almodovar

Protagonistas: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes.

Hola, hoy quiero platicarles de una cinta del director español Pedro Almodovar, trataré de hacer un análisis de los puntos que considero más interesantes, tratando de no revelar la trama, ya que es sumo importante llegar a la cinta sin tener conocimientos de la misma.

Antes que nada quiero comenzar diciendo que esta es probablemente la única cinta de Almodovar que he visto, nunca antes me había llamado la atención su cine, su estilo, ni mucho menos el mensaje de sus películas. No me malinterpreten, pero el cine gay no es de mi agrado, y no es que me considere a mí mismo homofóbico, para nada, pero este es un mundo que poco me interesa y por consiguiente el cine, su cultura, la música y lo que gira alrededor de la misma no me llaman en lo más mínimo la atención.

Repito, no es algo personal, es como no sé, las películas de los buddys, esos coquetos perritos labrador que se la pasan teniendo aventuras ya sea en el espacio o formando un equipo de fútbol americano. No tengo nada en contra de los cachorritos, al contrario me gustan pero eso no quiere decir que vea ese tipo de películas.

Curse of Chucky (2013)

También conocida como La maldición de Chucky

Dirección y Guión: Don Mancini

Protagonistas: Brad Dourif, Fiona Dourif, Danielle Bisutti

Hace tiempo, siendo yo un niño, recuerdo haber sido enviado a una de esas tareas que como niños tanto nos fastidia, me mandaron a comprar pan. En esta aventura me encontraba cuando de repente (era de noche) un tipo me asaltó de repente y me dijo algo como: “hey niño, ¿Qué llevas ahí?” No recuerdo bien que fue lo que le contesté, lo que si se es que salí corriendo sin mirar para atrás con rumbo a casa de mi prima, quien me había enviado a dicho mandado.

Recuerdo que mi prima salió en mi defensa y le gritó quien sabe que tantas cosas al tipo que me había asustado, resultó ser un inofensivo drogadicto de esos que tanto abundan en las colonias y fraccionamientos del bello puerto de Veracruz.

Pues bien, después de experimentar este pequeño incidente, me encontraba yo naturalmente nervioso, pero sin importarme más decidí seguir con un ritual ya sagrado para mí en ese momento, ver la trilogía del cinco. En aquella ocasión recuerdo que programaron toda la saga de Child´s Play (que por aquellas épocas solo constaba de 3 películas). Claro que no era la primera vez que veía las películas, pero por las razones que acabo de contar si fue la primera vez que de verdad sufrí viéndolas.

Simón del Desierto (1965)

Dirección: Luis Buñuel

Producción: Gustavo Alatriste

Protagonistas: Claudio Brooke, Silvia Pinal.

Para todos aquellos que hayan nacido en el heroico puerto de Veracruz el nombre de Luis Buñuel les debe de sonar familiar ya que es el nombre de un famoso cine de las inmediaciones de la ciudad. Antes de que llegaran las monstruosas franquicias y se colocaran en cada Mall que existe, estoy hablando de allá por mediados de los 90s,  si querías ver una película tenías que acudir a alguno de estos modestos cines que regularmente solo contaban con 2 salas, algunos ofrecían el llamado “cine permanencia voluntaria”, es decir, que pagabas una entrada y podías quedarte a ver la película dos o tres veces o las veces que quisieras. También en aquella época antaño existía el “intermedio”, un espacio creado especialmente para que pudieras recargar tu bote de palomitas y tu vaso de refresco.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

También conocida como Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos.

Dirección: Michel Gondry

Guión: Charlie Kaufman

Elenco: Jim Carrey, Kate Winslet, Elijah Wood, Mark Ruffalo, Kirsten Dunst, Tom Wilkinson.

Hace algunos años yo era un partidario del más extremo nacionalismo mexicano, me caracterizaba por mis comentarios llenos de denuncia social, para mí solo existía la música de protesta, el ska era mi himno y el anarquismo era mi bandera.

Tenía una cartera de piel de vaca con la cara del Che Guevara tatuada, usaba morrales de lana hechos por mano mexicana, tenía la idea de querer aprender a hablar náhuatl y pensaba en un futuro poder vivir en algún lugar lejos de la ciudad, en algún pueblo como aquellos en los que mi madre se crió.

Texas Chainsaw 3D (2013)

Tambien conocida como: Masacre en Texas: Herencia maldita.

Dirección: John Luessenhop

Producción Carl Mazzocone/ Tob Hooper

Protagonistas: ¿De verdad importa?

Soy, como decirlo, una persona muy sentimental, esa debe de ser la razón principal por la cual colecciono películas.

Las películas que he visto en gran medida representan cierta parte de mí, muchas veces puedo ubicarlas en un terreno cronológico, puedo decir: ha mira, ésta la vi de niño, ésta la vi a tal edad.

Existen películas que rebasan las barreras del tiempo, como la saga de Alien, una serie de películas que recuerdo mucho de mi infancia, las razones, no lo sé, como todo niño de mi edad me gustaba mucho asustarme, también me encantaban las historias de naves espaciales. El chiste es que desde pequeño nunca me perdía una oportunidad para verlas. Luego ocurrió que en la última etapa de mi vida (los últimos 7 años) he vuelto a descubrir en los ojos de mi esposa muchas de las razones que de niño me motivaba a presenciar como el xenomorfo destruía a toda la tripulación del Nostromo. Por eso no puedo dejar de nombrar a la saga de Alien como una de mis favoritas, independientemente de lo que pudo hacer por el género, las motivaciones sentimentales hacia ella son las que me llevan a rankearla de esa manera.

Ahora bien, la película que hoy les quiero comentar tiene una historia sentimental conmigo muy similar, es una historia de amistad y buenos recuerdos. Fue hace algunos años, cuando yo cursaba alegremente la universidad. Durante esa época tenía la costumbre de reunirme con algunos amigos por las tardes para ver películas, vimos de todo, El amanecer de los muertos, Eso, Evil Dead, y por supuesto, The Texas chainsaw massacre.

The Shining (1980)

También conocida como El Resplandor.

Dirección: Stanley Kubrick

Escrita por: Stanley Kubrick y Diane Johnson, basados en el libro de Stephen King

Música: Wendy Carlos.

Reparto: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers.

Recuerdo aun siendo yo muy pequeño haber visto una cinta que cambiaría por completo mi vida, era un domingo a mediodía, en el extinto “cine permanencia voluntaria” del canal 5, era un día fresco como esos que ya casi no ocurren en Veracruz, mi madre preparaba algo en la cocina y yo siendo un chico sin mayores problemas pasaba el día como siempre supuse que los chicos de mi edad pasaban sus días, viendo televisión.

Regularmente siempre tenía una idea de las películas que pasarían durante el domingo, recuerdo con mucho cariño esa etapa de mi vida, los fines de semana para mi comenzaban los sábados a las 4 de la tarde, cuando daba inicio la trilogía del canal cinco, fui testigo de grandes películas en ese momento,  ahí me hice fan de la trilogía de Alien, ya para cuando llegaba el turno de la cinta de David Fincher mis ojos estaban ya fastidiados y mi cuerpo cansado, al ser la última película de la trilogía recuerdo siempre verla agotado, por consiguiente sufría mucho viéndola, siempre me acompañaba un malestar, ahora que lo pienso esa debe ser la razón por la cual es mi favorita de la saga, era la película con la que realmente me sentía enfermo al verla.

Los domingos disfrutaba temprano de las clásicas caricaturas para luego dar pie a la sección de películas, algunas veces me veía en dilemas ya que no podía decidirme por la programación, recuerdo una vez estar viendo en el cinco “El último gran héroe” al mismo tiempo que en Televisa Veracruz pasaban “Los pájaros” de Alfred Hitchcook, estaba yo entre la espada y la pared.

Pero bueno, fue bajo este contexto en que me acerqué por primera vez al que sería hasta el día de hoy la inspiración más grande que he encontrado en el séptimo arte. Me refiero a Stanley Kubrick y a 2001: A Space Oddiseey.

Forbidden Planet (1956)

Conocida también como Planeta Prohibido

Director: Fred Wilcox

Reparto: Robby el robot y el tipo que salía en "¿y donde está el piloto?" pero de joven. 

Existe un antes y un después en el cine de ciencia ficción, esa barrera claramente está marcada por una sola película, es decir, 2001: A Space Odissey. Antes de la obra maestra de Stanley Kubrick la ciencia ficción en general carecía de argumentos y de medios suficientes para poder ser  tomado como un género serio.  A lo mucho que aspiraba era a un divertimento infantil que era programado los sábados por la mañana.

La cinta de Kubrick vino a cambiar esto y ocasionó toda una revolución en la ciencia ficción que hasta el día de hoy se sigue sintiendo, sentó las bases de lo que sería la introspección y el realismo visual, Kubrick nos enseñó a soñar con otros mundos siempre tratando de visualizar ese futuro basándolo en términos más o menos reales.

Evil Dead (2013)

Conocida también como Posesión Infernal

Dirección: Sam Ra...Digo, Fede Álvarez

Producción: Sam Raimi, Bruce Campbell y Robert Tapert

Protagonistas: un montón de corderos asustadizos listos para ser asesinados.

Antes de entrar de lleno en el tema de Evil Dead me gustaría hablarles de dos películas en particular, me refiero a Halloween 2 y Poltergeist.

Dirigidas por Rick Rosenthal y Tob Hooper respectivamente…¿Qué? Esperen, me informan que eso no es correcto, en realidad fueron, ¿Quiénes? Carpenter y Spielberg…

Pues si señores, Halloween 2 fue dirigida por Carpenter y Poltergeist por Spielberg, pero ¿Por qué no aparecen acreditados como tal sino como productores? Muy fácil, en Hollywood existe una regla estúpida la cual dice que un director no puede hacer más de una película al mismo tiempo, unos rollos sindicales bastantes estúpidos. Pues bien, en el caso de Carpenter, rondaba el año 1982 y el señor se encontraba realizando la que hasta el día de hoy (pienso yo) es su mejor película, es decir The Thing. Pues bien, por otro lado también llevaba tiempo preparando la producción de la secuela del gran éxito que le significó Halloween. Llegó un punto en que las fechas de realización de ambas se vieron empalmadas así que John decidió apostar por The Thing, cinta que llevaba muchos años soñando con poder hacer y así rendir tributo a su director favorito, Howard Hawks. Pero no por eso dejó de encargarse de Halloween 2, contando con su amigo Rick para que hiciera las veces de prestanombre, fue como pudo hacer ambas cintas.

Algo parecido ocurrió con Spielberg y Poltergeist, él se encontraba armando el proyecto de E.T. cuando se le atravesó esta cinta de terror para lo cual tuvo que requerir la ayuda de Hooper. En este caso, cuentan las malas lenguas, Spielberg en su papel de productor se encargaba de supervisar el rodaje pero nunca estuvo tan convencido del estilo de Tob, así que metía constantemente su cuchara en la producción, terminando prácticamente de desplazar al director en su trabajo. Claro, que por las cuestiones sindicales que les comenté no pudo firmar la película como suya.

La Trinidad fantástica de Guillermo del Toro

Hoy quiero hablarles nuevamente de Guillermo del Toro, si, deben de pensar que como fastidio con el mismo tema, pues me van a tener que aguantar, ya que suelo tener estos episodios de traumas pasajeros y justo ahora pues paso por un episodio del toresco.

Después de revisar la filmografía de Del Toro una vez mas no pude dejar de observar un detalle muy importante, todo esto derivado de un comentario del director mexicano. El insiste en la importancia del número 3 dentro de los cuentos de hadas, dice que en el laberinto del fauno los malos son representados por 3 soldados, hay 3 hadas, son 3 mujeres las protagonistas, son 3 las pruebas que tiene que superar la niña y así podemos seguir encontrando detalles.

Cronos (1993)

También conocida como: La invención de Cronos.

Dirección: Guillermo del Toro.
Reparto: Ron Perlman, Federico Luppi, Claudio Brook.

No es necesario que explique las fotos, pero de todos modos lo haré porque el propósito de este blog es precisamente ese, explicar cosas que no deberían ser explicadas o que simplemente a nadie le interesa que se las expliquen.

Pues bien, ayer compré la cajita de colección de cronos en formato blu ray. A últimas fechas me ha dado por comprar películas que ya tenía, siempre con el gancho de tener nuevo material extra o cosillas de ese estilo. En el particular caso de esta versión de Cronos las diferencias comienzan desde la caja, mientras que en el DVD es una caja sencilla en la versión Blu Ray nos encontramos con una cajita metálica muchísimo más bonita, también se diferencian en que la portada del DVD corresponde a un dibujo del Cronos Device mientras que en el Blu Ray es una fotografía real del aparato.

Tema aparte son los extras, entre lo que podemos encontrar una entrevista muy interesante con Federico Luppi, notas de producción y lo más interesante, un cortometraje que data de los primeros años mozos de Don Guillermo (1987, el año de la bestia) llamado Geometría, en donde nos encontramos con un joven director rindiendo tributo al cine italiano más pastoso, desde la iluminación basada en tonos rojos y azules (clara referencia a Mario Bava y su cinta 6 mujeres para el asesino). También nos encontramos con pequeños homenajes a cintas como el exorcista, e inclusive se notan influencias de Sami Raimi y su clásico Evil Dead.

Pero bueno, ahora déjenme hablarles un poquito de mi relación con las películas de Guillermo del Toro, no les hablaré de lo que ha significado su carrera porque pues asumo que como mexicanos que somos, todos nos hemos sentido empapados un poco con la gloria del gordito oriundo de Guadalajara.

El primer acercamiento que tuve con una cinta de Guillermo fue Mimic, era el año 1997, yo contaba con 10 años de edad y estaba ansioso por devorar esta cinta de la cual no paraban de hablar en la televisión, poco o nada me importaba la figura del director en aquellos años, siendo yo tan joven no entendía todavía la labor de un director, ni mucho menos me imaginaba la maravillosa carrera que se labraría este compatriota mexicano. Pero bueno, la historia comienza un poco mal, ya que por mi corta edad no se me permite entrar al cine a ver Mimic, por lo cual decido entrar a ver Hombres de Negro, cosa que a mi madre, quien me acompañaba, la tenía sin cuidado, a final de cuentas era otra película de monstruos que a su hijo tanto le llamaban la atención.

Pues bien, no pude ver Mimic, pero gracias a los descuidos de los siempre fieles videoclubes pude hacerme con ella un tiempo después, cuando salió a la renta, en un primer visionado me pareció interesante, una buena cinta de monstruos, bastante original, pero algo llamó mi atención, había un nombre que no cuadraba en todo esto, Guillermo del Toro, no sonaba como los clásico Arnold Shwarzenegger o los Steven Spilberg, a los que yo estaba acostumbrado, su nombre me sonaba muy cercano y familiar. Pero bueno, de ahí no pasó, recuerdo no haber prestado mayor interés hasta años más adelante, en particular cuando se estrenó la segunda parte de Blade, que contaba nuevamente con el señor Guillermo a la batuta, fue cuando en realidad comencé a seguir la carrera de este señor, desde su maravillosa cinta de fantasmas hasta su épica de superhéroes HellBoy, inclusive sus primeros trabajos para televisión en la serie La Hora Marcada, Guillermo del Toro se ha convertido sin lugar a dudas en uno de los directores más importantes de la época por su sello inconfundible y esa imaginación tan latente en todas sus cintas.

Ahora hablemos un poquito de Cronos, el primer largometraje del director en donde ya nos deja ver el estilo y obsesiones que acompañarán su carrera a lo largo de los años (me refiero en específico en esa insana fijación por las maquinarias, engranes y todo lo que tenga que ver con relojes).

En primer lugar debemos reconocer muchas cosas, la primera de ellas es que nos encontramos ante una cinta de muy bajo presupuesto, que gracias al reparto que se consiguió logró tener algo de estabilidad lo que derivó en que tuviera una credibilidad mayor, a que solo contara con el nombre de Guillermo (siendo en aquellos tiempos un completo desconocido). Hablamos de gente habitual en las cintas de Del Toro, Ron Perlman (que años más adelante lo veremos haciendo el papel para el cual nació, es decir, HellBoy) y Federico Luppi. Y claro Claudio Brook, recordado por cintas que hizo con Luis Buñuel como el ángel exterminador  y Simón del desierto.

Que puedo decir de ella, sin lugar a dudas una excelente película de vampiros, que toma el mito del clásico personaje y lo desdobla hasta puntos nunca antes imaginados, una historia de amor entre un abuelo y su nieta, una historia de ambición y poder entre los integrantes de la familia De La Guardia.

Guillermo del Toro nos regala alguno de los momentos más hermosos de toda su filmografía, momentos que solo pudieron ser creados debido a la escases de presupuesto y la necesidad de usar la imaginación como medio de poder contar y crear situaciones. Por ejemplo la escena del baño, en donde vemos a Jesús lamer del suelo unas gotas de sangre, una escena formidable que sostiene y revela gran parte de la personalidad del personaje, este anciano se está convirtiendo en un vampiro por influjo del aparato cronos.

Otra escena inolvidable es aquella en donde vemos a Aurorita cobijar a su abuelo dentro de una caja de juguetes, mientras el permanece en un alto grado de descomposición al punto de comenzar a perder partes de su piel.

Una de las grandes características de Guillermo es sin lugar a dudas la habilidad que tiene para hacer funcionar una cinta sin importar el presupuesto que tenga, es obvio que aquí contaba con uno muy reducido pero no por eso deja de experimentar y de crear en afán de construir un escenario verosímil que funcione para que la historia se desenvuelva. Para citar un ejemplo, el director plantea la idea de encontrarnos en un México post-tratado de libre comercio, y se cuestiona la idea de lo que culturalmente pudo afectar eso en la sociedad mexicana, por eso nos encontramos en todas partes pistas de ella, cajas de galletas japonesas, periódicos escritos en ruso, señalizaciones de tránsito con 3 idiomas, español, ruso y japonés, sin lugar a dudas un dato muy curioso que puede ser considerado hasta cierto punto un pequeño guiño al diseño de producción utilizado en Blade Runner.

Otro de los puntos fuertes a tratar en esta cinta son los monstruos, Guillermo siempre nos ha deleitado con sus criaturas, pero si algo ha dejado en claro es que su intención es cambiar por completo el paradigma que se tiene de los monstruos. En sus cintas las pesadillas siempre son los protagonistas, es su vida la que seguimos a lo largo de la cinta, sus decepciones, sus problemas, su necesidad de ser aceptados. En HellBoy es muchísimo más claro este punto, en donde el demonio rojo lucha por ser reconocido por la sociedad, para poder ser parte de ella.

Aquí ocurre algo similar, cuando el personaje de Jesús se ve convertido en vampiro se desata una lucha interior por no entender su lugar en el mundo, aún sigue amando a su esposa y nieta, pero sabe que ya no encaja en ese mundo, inclusive en un punto estuvo a nada de traer a su nieta a su propio mundo, arrepintiéndose justo a tiempo.

Luego tenemos la mitología creada alrededor del Cronos Device, formidable apuesta argumental del director, en vez de que toda la historia gire alrededor de ella, se convierte solamente en un motor impulsor al grado de que se vuelven innecesarios más detalles de su creación, el aparato vive bajo una enorme tela de misterio, misterios los cuales el personaje de Brooks parece estar del todo enterado, pero que nunca terminan por ser necesarios, ese misterio es precisamente el que le da esa relevancia e importancia en la historia.

Sin lugar a dudas una película maravillosa, la cual disfruto mucho cada vez que veo y que motiva mi imaginación. El primer destello de genialidad que años más tarde nos dejaría ver en su máximo esplendor en cintas como el laberinto del fauno o el espinazo del diablo.

Película solo recomendable si usted está esperando ansiosamente el estreno de Pacific Rim, mientras espera puede chutarse toda la filmografía del director mexicano, comenzando por esta.

Nosferatu: Phatom Der Nacht

También conocida como: Nosferatu, fantasma de la noche

Director/escritor/Producción: Werner Herzog

Música: Popol Vuh

Reparto: Klaus Kinski, Bruno Ganz, Isabella Adjani.

Poco o nada puedo decir del director Herzog, debo confesar que es la única cinta que he visto del director alemán, existe otra por ahí que me intriga y me gustaría ver de él, se llama grizzly man, es un documental sobre una familia que se fue a vivir no se cuánto tiempo con unos osos a las montañas.

Pero bueno, para poder hablar de esta cinta antes debo de hacerlo de su primera versión, el Nosferatu de Murnau, corrían los años 1920, principio de siglo, y una nueva tecnología estaba asombrando a propios y extraños, su nombre era cinematógrafo, inventado a finales del siglo XIX. Cabe resaltar que la fecha de publicación de la novela de Bram Stoker coincide con el auge que tuvo el cinematógrafo, desde sus comienzos el vampiro y el cine estuvieron destinados a compartir sus glorias.

Pues bien, por aquellas épocas el cine todavía no era considerado una industria ni mucho menos un divertimento, su función era experimental y los realizadores eran considerados científicos (si alguna vez pueden ver la sombra del vampiro de Elias Merighe se las recomiendo, en ella se habla sobre la realización de la primer película de vampiros de la historia).

El director alemán Murnau intentó hacerse con los derechos para poder filmar una versión de Drácula a lo que la viuda de Stoker se reusó. Hecho que no impidió que el director alemán tomara sus cosas y comenzara a filmar su propia versión de la cinta, cambiando los nombres de los personajes pero respetando gran parte del espíritu del libro.

Esta cinta también se podría catalogar como la primer película maldita de la historia, su estreno se acompañó de problemas legales ya que la viuda de Stoker reclamaba que se destruyeran todas las copias de la cinta por plagiar la historia de su marido.

Se intentaron destruir las copias pero gracias al dios vampiro algunas ya habían abandonado el país y se encontraban en muchas partes del mundo, algunos cuentan que existieron personas que guardaron las copias de la cinta durante años, esperando a que la obra de Drácula fuera de dominio popular para poder exhibirla.

Pero bien, Nosferatu fue una gran cinta de vampiros, una clase de expresionismo alemán, una cátedra de iluminación, pero antes de cualquier cosa fue la primer cinta de vampiros de la historia. Y no solo fue la primera, sino que al día de hoy sigue siendo de las mejores que se han hecho (sigue siendo una mejor historia de amor que crepúsculo).

Pero bien, años más tarde (casi 60) aparece otro director de cine alemán que decide hacer una nueva versión del Nosferatu de Murnau. Que locura!! Debieron de pensar muchos, sacrilegio debieron de decir otros.

La realidad señoras y señores es que nos encontramos ante uno de los mejores remakes que se han hecho en la historia, es tal su respeto a la original, tal su aporte y belleza que es justo decir que ambas obras pueden considerarse una misma, divididas por décadas, pero unidas por un mismo espíritu. Aunque por otro lado también hay que señalar que esta versión funciona perfectamente sola, si nos olvidamos que es un remake, funciona como un reloj suizo donde todas sus partes cumplen una función determinada.

Es justo hablar de ella como una obra independiente y que se vale por sí misma, y así es precisamente como la vi.

Desde las primeras y larguísimas tomas en las que vemos a un montón de cadáveres momificados, entre mujeres y niños, con caras de agonía y de dolor en su semblante, sabemos muy bien a donde nos introducimos, a una historia llena de pesadillas, que circunda entre el sueño y la vigilia, muchas cosas ocurren demasiado despacio con un ritmo clásico del cine europeo, en donde las situaciones no tienen por qué acelerarse, se les tiene que dar su tiempo para que ocurran naturalmente.

Herzog crea una hermosa obra en donde uno de sus grandes aportes a la mitología del vampiro es el concepto de enfermedad, a lo largo de la cinta se hace mucho hincapié en las pestes y las plagas que el vampiro va dejando a su paso, vemos una procesión en la que casi medio pueblo ha muerto a causa de la peste que azota a la ciudad. Un reflejo (no sé qué tan consiente) del miedo que existe en los ciudadanos europeos después de haber sido asediados por tantas enfermedades y plagas a lo largo de los siglos.

El personaje del vampiro es simplemente maravilloso, dotado de una fuerza histriónica como pocas veces se ha visto, este no es un vampiro seductor y cachondo, nos encontramos ante un verdadero monstruo devora vidas. Pero no todo es monstruosidad en este Drácula, otro gran aporte de esta cinta al imaginario del vampiro es la personalidad del mismo, un monstruo inmortal que se encuentra asqueado de la vida, aborrece a la humanidad y a todo lo que representamos, y su mayor castigo es no poder morir y seguir siendo testigo de todos nuestros avances. Envidia más que a nada en el mundo el privilegio que gozamos al morir, es una criatura que desea ante cualquier cosa poder morir. Espectacular.

Claro que como todo buen remake, Herzog se esmera en rendir tributo a al original, y no solo lo hace en la representación del vampiro (copia casi fiel del interpretado en 1922 por Max Scherck) sino que utiliza algunos planos que ya son icono del cine, como cuando el vampiro va a casa de los Harker y vemos su amenazadora sombra caminar hacía la fachada de la casa, o cuando Dracula está disfrutando de los placeres de la dulce Lucy para luego darse cuenta que el sol está levantándose justo a sus espaldas.

Sin lugar a dudas esta cinta es un gran clásico del cine de vampiros, de esas películas que aunque no me guste usar el término debo de aceptar que no puede entrar dentro de la categoría de cine comercial o para divertirse, sin lugar a dudas es una cinta creada con aspiraciones artísticas más allá de las mundanas ambiciones taquilleras, es una cinta creada para reflexionar sobre la muerte y sus alcances, para dejar testimonio sobre los miedos de toda una cultura, para extender el universo que se creó dentro del folclore de una pequeña sociedad y que se ha convertido hasta ahora en paradigma clásico de la cultura popular universal.

Película altamente recomendada si a usted le interesa el cine de vampiros, pero estoy hablando de cine para tomar en serio, para sentarse y reflexionar, para admirar y apreciar lo que sin lugar a dudas es una gran obra de arte.

Evítela a toda costa si usted no puede permanecer sentado viendo una cinta de vampiros a menos que cada 2 minutos alguien pierda un miembro, haya una explosión o alguien explote y deje sus vísceras regadas por todo el cuarto.

Dracula di Dario Argento

Director: Dario Argento.

Reparto: Asia Argento, Rutger Hauer,Thomas Kretschmann y un montón de gente que pasan sin pena ni gloria.

Darío Argento es sin lugar a dudas uno de los directores de cine más reconocidos y queridos a nivel mundial. El, junto con otro grupo de compatriotas (Lucio Fulci y Mario Bava), prácticamente crearon lo que yo considero el mayor aporte de Italia a la cinematografía mundial, me refiero al género giallo. Si usted siente cosquillas y piensa que me equivoco, que por el contrario lo mejor que ha salido de Italia es su neorrealismo, le suplico atentamente que abandone este blog por su propio bien.
El giallo es un género inspirado en novelas policiacas que tan de moda estaban en aquella época en Italia (60s y 70s). Todas ellas contaban con ciertas características que las hicieron claramente clasificables, siempre había un asesinato que resolver el cual había sido presenciado por un personaje, el cual regularmente nunca estaba seguro de lo que había visto, así que se decidía a hacer labor de investigación, recabando datos y pistas, mientras que el asesino seguía cometiendo fechorías hasta que por fin en un giro inesperado era resuelto el caso, casi siempre con soluciones extraordinarias y con tal giro de tuerca que uno como espectador quedaba completo asombrado y en shock.
Claro que también uno de los puntos fuertes de este género era la habilidad con la que los italianos montaban escenas de asesinatos. Ojos perforados, gargantas rebanadas, miembros cercenados, cabezas cortadas de tajo. Un complejo festín gore que haría las delicias de muchos.
En cuanto a Argento, gracias a películas como Rojo Profundo, Tenebrae, Suspiria y el pájaro de las plumas de cristal, sentarían las bases no solo del genero giallo sino también marcarían el característico estilo de dirección del director italiano.
Movimientos de cámara coordinados perfectamente, casi pareciera que la cámara baila una compleja coreografía alrededor de los actores, iluminación casi teatral con colores fuertes (predominando los rojos y azules) que creaban una atmosfera como de ensoñación.
Ni que decir de las muertes, las filmaba de tal forma que si las apreciamos desde un punto de vista bastante enfermo, lucen hermosas, siempre usando la sangre con un rojo carmesí intenso, casi hipnótico, verdaderas obras de arte.
Y pues bien, hasta aquí todo bien, el tiempo siguió su curso, Argento comenzó a hacer otras cosas, los 90s llegaron, las modas cambiaron en un abrir y cerrar de ojos hasta encontrarnos en el año 2013, con un Argento cansado y viejo, completamente desconocido para aquellos que hemos seguido algo de su carrera. Es en este punto en donde aparece la figura de Drácula, el formato 3D y Argento juntos en una licuadora de dos velocidades y se deciden a juntarse para crear este esperpento salido de quien sabe que foso séptico.
Esta es una película MALISIMA, con personajes acartonados (igual o más acartonados que las propias escenografías). La historia es la misma puerca pero en otro corral, no aporta absolutamente nada a la mítica figura del vampiro. En ocasiones es confusa, con diálogos piteros de a dos pesos, inclusive hay diálogos que calcó fielmente de la cinta de Coppola.
Debo confesar que soy gran seguidor de las historias de vampiros, y por su puesto de Drácula, he leído el libro como 4 veces (actualmente me encuentro dándole otra leída) he visto varias de las versiones que se han hecho para el cine, el Drácula de Tod Browning con Bela Lugosi creando el primer vampiro paradigmático, por supuesto También el Nosferatu de Murnau así como el remake que se hizo en los 70s a cargo de Herzog, también he visto el Drácula de la Hammer Film protagonizado por Christoper Lee y sus ojos inyectados en sangre y por supuesto el que para mi sigue siendo la mejor adaptación que se ha hecho de la obra: Drácula dirigida por Francis Ford Coppola.
Les platico esto para que entiendan el cariño personal que siento por todos los personajes, el sensible doctor Van Helsing, la promiscua Lucy Westenra, el osado y valiente Quincy Morris, por supuesto todas las reglas que se han creado alrededor del universo vampírico, las leyendas, las frases, absolutamente todo eso provocan una gran fascinación en mi.
Entonces se imaginaran como me sentí cuando descubrí que Argento, uno de mis directores favoritos estaba a punto de lanzar su propia versión de Dracula, estaba super emocionado, aunque por otro lado también me sentí temeroso, acababa yo de llevar por aquellos momento una película llamada Giallo del mismo Argento y había sido una completa desilusión, así que esa mala experiencia me hacía dudar sobre esta nueva propuesta.
Y pues bueno, atraído por Argento, por su hija Asia, por el nombre de Rutger Hauer (para mí el nunca dejará de ser el nexus 6 Roy Batty) y por su puesto el vampiro creado por Bram Stoker, me decidí ver esta cinta con un poco receloso.
Y pues bien, son casi dos horas de risas involuntarias, de lamentables diálogos, de facepalm tras facepalm, momentos bochornosos e incómodos  Existen dos posibilidades al ver esta cinta, una, la odias y odias a Argento por convertirse en este esperpéntico remedo de lo que fue en la década de los 70s o te diviertes y gozas riéndote de cada payasada que ocurre en escena.
Yo opté por lo segundo, me reí del trágico uso del CGI, me carcajee de las forzadas actuaciones, casi vomito del hilarante momento en que vemos al señor de las tinieblas convertido en una enorme mantis religiosa de color verde chillón.
Aunque bueno, debo confesar que cierto aire melancólico se deja sentir en la cinta, las escenas violentas están bien hechas, por ejemplo el momento en que Drácula pierde la cordura y comienza a soltar zarpazos y a arrancar cabeza a diestra y siniestra, una escena muy bien lograda, también hay que reconocer el esfuerzo de Argento por querer lograr una atmósfera que recordara a esas producciones europeas de la Hammer films, con castillos góticos, muchas telarañas y polvo por montones.
También es menester mencionar el ya clásico complejo incestuoso que acompaña al director cada vez que le toca filmar a su hija, pareciera que ambos gozan de lo lindo filmarla a ella completamente desnuda siendo presa de algún altercado sexual. Bastante freak el asunto.
Pero bueno chiabos, nos encontramos ante una cinta más del montón para acumular, separar y botar al recipiente de basuras cinematográficas que se han hecho alrededor de la sombra del vampiro, claro que en una de esas y por pura nostalgia es aceptable salvarlo de la basura y esconderlo debajo del colchón, simplemente como un recordatorio de que el tiempo pasa e inclusive un genio como Argento puede verse convertido en un anciano sin una idea clara de lo que quiere hacer con su vida y con su película.
Recomendable solamente si usted cuenta con un GRAN sentido del humor y no le molesta ver convertido a uno de sus directores favoritos en una mala parodia de lo que solía ser antes.

Captain America: The first avenger.

Conocida como El Capitán América: El primer vengador.

Direccion: Joe Johnston
Música: Alan Silvestri
Reparto: Chris Evans, Hayley Atwell, Hugo Weaving, Toomy Lee Jones.

Nos encontramos frente a uno de los trailers (o avances) cinematográficos más grandes y costosos de la historia.

Desde hacía varios años se venía especulando sobre la realización de una película de los avengers pero dado que las cintas de superhéroes no terminaban de convencer a las grandes audiencias, muy de la mano de los esperpentos que hizo Schumacher con batman, el proyecto nunca vio la luz. Fue hasta que Sam Raimi hizo su adaptación de spiderman que demostró que era posible crear una cinta inteligente, con mucha acción, con personajes entrañables, que respeta el espíritu del comic y que, como no, ganara millones de dineros.

Claro que después vendría Nolan y tomaría la idea de Sam Raimi lo multiplicaría por 12 y daría a luz una de las sagas más grandes que ha dado el cine en la última década, osease, me refiero al caballero oscuro.

Pero bueno, esa explosión de cintas de superhéroes abrieron la oportunidad de que los vengadores por fin pudieran tener su propia cinta.

Alien Abduction (1998)

Conocida como abuducción alien

Director: Dean Alioto 

Protagonistas: La familia McPherson

Bueno, hoy quiero hablarles de una película que en lo personal me gustó mucho, me refiero a alien abduction, un experimento que de cierta manera sentaría las bases de lo que hoy en día conocemos como mockumentary.

Con esto no me refiero a que el género se creara a raíz de ella, porque como sabemos los falsos documentales siempre han estado ahí, desde que Orson Welles se le ocurrió la maravillosa idea de asustar a toda una nación con su montaje de la guerra de los mundos.

Hitchcock (2012)

Director: Sacha Gervasi

Guionista:  John McLaughlin

Música: Danny Elfman

Reparto: Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson…

  

No puedo considerarme un gran conocer de Hitchcock aunque si he visto algunas de sus películas por ejemplo: los pájaros, vértigo, la soga, la ventana indiscreta, psicosis, con M de Muerte y otras que por el momento no recuerdo. Perteneciente a un grupo de directores que llaman mucho la atención por lo excéntrico de su personalidad, yo lo catalogaría junto con directores tales como Kubrick , Lynch e inclusive Jodorowsky. Personajes que poseen tal serie de ideas disparatadas dignas de cualquiera que se haga llamar así mismo director de cine.

Aquí es donde intento entenderme a mi mismo.

Bueno, la idea de todo esto es poder tener un espacio en donde pueda hablar libremente de las películas que veo. No intento hablar de ningún género en particular, aunque es por muchos conocido que me inclino mas hacia el terreno de lo fantástico así que probablemente encontremos mucho de Sci-Fi, Terror en todas sus diferentes presentaciones y de mas.

Trataré de comentar las películas que vea con el transcurso del tiempo sin ganas de crear una bibliografía sobre cine, tampoco estoy interesado mucho en datos técnicos ni ese tipo de detalles, simplemente me dedicaré a platicarles las películas que vaya viendo, como una charla natural entre amigos.

Espero poder aportar algo y de ser necesario también le pido a usted, amable lector, que me proponga cintas que crean interesantes y así poder crear juntos un espacio en donde compartir nuestros gustos.

Seguiremos informando, un cordial saludo de Moisés.

The Cell

Conocida también como La Celda o La Célula.
Año: 2000
Director: Tarsem
Productores: Julio Caro, Eric McLeod
Música: Howard Shore
Reparto: Vincent D´Onofrio, JLo, Vince Vaughn...

     Bueno, cuando hago algún comentario sobre cine casi siempre trato al mismo tiempo de hacer una invitación para que recordemos o en algunos casos conozcamos nuevas películas que podrían ser interesantes. 

Este es el caso de lo que argumentaba sobre inception y su parecido con otras películas, en particular the cell y el discreto encanto de la burguesía.

Pues bien, siguiendo esta intención de recordar y hacer referencia a otras cintas me dispuse el día de ayer a revisar nuevamente the cell, película estrenada hace más de 10 años, por allá de los 2000. En ese tiempo debí tener alrededor de 12 años, acababa de estrenarse hace no mucho matrix, cinta de la que inmediatamente me volví seguidor, y su estilo visual sin lugar a dudas llamaba mucho la atención.